亦非博客

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10月23日13:00-16:30    上海大剧院中剧场
主讲： 音乐剧专家               费元洪
         上海大剧院艺术课堂制作人  洪亦非

歌剧是一门非常 “综合的艺术”，她集戏剧、音乐、舞蹈为一体，同时还融舞美、服装、演奏、指挥于一身舞台艺术。

简单地说，歌剧就是在舞台上用唱歌来表现的戏剧，通常配有连续不断的音乐。

真正意义上的第一部歌剧名叫《达夫尼》。
《达夫尼》这部歌剧是由意大利作曲家佩里和诗人里努奇尼于1597年创作的。也就是说在16世纪末出现了歌剧这样的艺术形式。但这些仅仅是一个起源，与大家现在看到的歌剧还是有很大的区别，而早期的歌剧只是在贵族和宫廷中才被上演，因此歌剧的起源是一种非常私人化和贵族化的艺术形式，直到后来不断进行了公开性的演出后，才使更多人看到了歌剧，喜欢歌剧，从而也使得一代代的作曲家们创作了无数伟大的歌剧作品，为歌剧艺术做出了杰出的贡献。很多作曲家都将完成歌剧的写作视为自己作曲生涯中最终和最重的选择，而指挥家也会因为能够成功指挥歌剧而奠定其在指挥台上的地位。

歌剧的音乐形式：
序曲
序曲是一段短小的管弦乐作品，最初的出现是用来使观众安静下来，进入聆听歌剧的氛围。慢慢开始，序曲的创作成为作曲家们展现整部歌剧音乐的主题动机（主题思想），因此也成为了歌剧中的主要部分的音乐主题；有时序曲的音乐在剧中并不再出现。在一些歌剧中，序曲的独立性不太强，主要是烘托气氛，这时序曲也被叫做前奏曲。
而多数序曲凝结着作曲家对于整部歌剧音乐性、思想性与戏剧性最核心的把握，因此但凡一部成功的歌剧，他的序曲总会让人记忆犹新。
19世纪伟大的戏剧歌剧大师瓦格纳的《唐毫塞》序曲在日本电视剧《白色巨塔》中被作为串联音乐反复使用。
间奏曲
歌剧作为一种舞台剧，自然要分成几幕，每一幕的时间和地点都有不同，当一幕结束又一幕开始，乐队都会单独演奏一段乐曲作为连接，引出后一段故事，这段乐曲叫做间奏曲，也可以叫幕间曲。
歌剧主要是由音乐和歌曲而非念白来支配情节的戏剧，在整个17世纪，多数国家都是从意大利来进口歌剧，因为也多数由意大利歌手用意大利文来演唱。之后，出意大利以外又由诞生了两个歌剧中心―― 维也纳和巴黎，因此之后的德语歌剧和法语歌剧也相继丰富着欧洲歌剧舞台。
到了18世纪有一位和巴赫并称为巴洛克时期的双子星的音乐代表人物――亨德尔。亨德尔一生创作了约40部歌剧，并且因为他在中年得到英国女王的赏识，而移居伦敦，并且致力于提倡意大利歌剧在更大范围的推广（他大量作品是用意大利文演唱）。亨德尔作品中的华丽咏叹调也另观众为之着迷。

歌剧的演出形式：

多数歌剧都是分幕的进行，五幕歌剧最为常见。
而每一幕通常由咏叹调（独唱歌曲）、重唱（二重唱、三重唱、四重唱，依此类推）与合唱组成，它们之间由宣叙调衔接。 咏叹调是每一幕的情感焦点。

宣叙调――又译作朗诵调，是歌剧中用来对话和叙述剧情的,其实就是“附有旋律的对白”。介于歌唱和朗诵之间的独唱段落。在歌剧中剧情的不断发展，宣叙调是最好的音乐形式。

重唱――是一部歌剧不可缺少的环节，它不仅有咏叹调抒发情绪的成分，更兼有宣叙调发展剧情的功效，它分为二重唱、三重唱、四重唱、五重唱、六重唱、七重唱、八重唱甚至有九人简单重复的重唱。重唱在歌剧中是十分有效的手法，在舞台戏剧中，只要两个演员以上同时讲话，相信你几乎无法听清楚他们在说些什么，然而重唱曲可以使几个人同时用各自的特性音调歌唱，透过和声与对位的技巧，来表现同一内容或完全不同的内容，造成生动的戏剧性和立体化的效果。
 
合唱――作为歌剧音乐的一种形式，有其特殊的表现功能，从审美意义上说，合唱的音响组合、和声织体自有其相对独立的形式美感，一曲曲深沉优美的合唱歌声令人难以忘怀。许多歌剧舞台上的合唱音乐，作为音乐会的重要曲目，激荡着听众的美感。

咏叹调――歌剧中的独唱段落，用来抒发人物情感的歌曲，表现演唱技巧，是歌剧中最为重要的歌唱形式，更是吸引所有人的最佳卖点。

其实歌剧艺术在很多人的眼睛中，都觉得有些奇怪，不知道它的美妙与魅力在那里。然而有意思的是，无论是作曲家，或是指挥家都将能够驾驭一部歌剧作为自己事业的顶峰。而有些作曲家还曾因为自己没能写作歌剧而感到终生的遗憾，比如勃拉姆斯。还有一些已经很成功、很受欢迎、很受尊敬的作曲家仍然将写就一部歌剧来证明自己在作曲中的才华，比如圆舞曲之王约翰.施特劳斯；还有一些天才性的作曲家，因为能够浑然天成的驾驭歌剧而倍添人们的尊敬，比如前一次我们介绍过的莫扎特。18世纪下半叶，莫扎特以其用音乐刻画人物的非凡才能巍然屹立在歌剧世界上。莫扎特一生创作了22部歌剧，其中《费加罗的婚礼》、《魔笛》、《唐璜》是最著名的三部，也可以说是莫扎特的三大歌剧。

《费加罗的婚礼》创作于1785－1786年间，描写了作为平民的费加罗，同垂涎于他未婚妻苏珊娜的美貌的贵族主人之间的斗争，最后费加罗以他的机敏与幽默取得胜利。

意大利歌剧的辉煌作曲家
意大利的歌剧传统源远流长，进入十九世纪，出现了好几个伟大的歌剧作曲家。
首先要给大家介绍的这位，被称为喜歌劇大師――罗西尼。

罗西尼1792 年出生于意大利,是十九世纪上半叶意大利歌剧三杰之一, 自幼家境清寒而被寄养于亲戚家 , 早年随父亲学习小号 , 所受音乐教育不多 , 仅少年时代就读于音乐学校数年，然天赋歌喉圆润， 曾在男童唱诗班中担任独唱 。
罗西尼深受歌剧演员的母亲的影响，十四岁起习作歌剧。十年后他所作的《塞维利亚的理发师》集意大利谐剧的精华，它语言生动，形式自由、充满幻想的意大利喜歌剧的代表作。1816在罗马发表后轰动乐坛 , 使他一跃而成国际音乐界的大作曲家 . 待1828 年 《威廉.退尔》上演后 , 即使正处于事业颠峰期的罗西尼却悄然隐退, 在之后的30年中潜心于宗教音乐 , 钢琴曲 , 乐器曲及零星的歌曲。在罗西尼所创作的近四十部歌剧中影响较大的除《塞维利亚的理发师》和《威廉.退尔》外，还有《灰姑娘》、《贼鹊》、《奥赛罗》、《摩西》等。
罗西尼一生讲究享受，名宫华厦，锦衣玉食，终日宴会不断，是个十足的生活享乐主义者。他与唐尼采第(Donizetti)和贝里尼(Bellini)三分十九世纪前半的意大利歌剧界，但他对其他两位作曲家有如子侄(他的年纪最长)；他热爱美食、盛大的晚宴，意大利名菜【罗西尼嫩牛肉片(Tournedos Rossini)】以他为名。1868 年去世 , 享年76岁。
罗西尼最著名的一部歌剧《塞维利亚理发师》和之前向大家介绍的莫扎特的《费加罗的婚礼》经常容易被混淆。其实这两部歌剧的剧本都是根据法国剧作家博马舍创作的是“费加罗三部曲”所改编，第一部《塞维利亚理发师》已于1782年由帕伊谢洛首先改成歌剧，并取得很好的演出效果。1785年，莫扎特又将其第二部《费加罗的婚礼》搬上歌剧舞台。1816年，意大利作曲家罗西尼重新创作了第一部《塞维利亚理发师》，使之成为人们喜闻乐见的传世佳作。所以呢这故事情结分上下两集的歌剧都是以西班牙为背景的喜剧，剧中的人物都相同，男主人公就是大家熟悉的“费加罗”。

葛塔诺•唐尼采蒂（Gaetano Donizetti ，1797－1848）意大利歌剧作曲家。先后在那不勒斯音乐学院和波罗尼亚音乐学院就学。从三十年代中期开始，任那不勒斯音乐学院院长和对位法教授。后旅行欧洲各国，不断创作歌剧。
其早期歌剧受罗西尼影响较深，三十年代起逐渐形成自己的风格：旋律醇美，技巧华丽，具有鲜明的戏剧效果。1835年在那不勒斯上演的《拉美莫尔的露契亚》，充分显示出他的戏剧才能和歌剧舞台技巧，令他一举成名。罗西尼脱离作曲生活以及歌剧大师贝利尼的去世，使唐尼采蒂成为当时意大利歌剧舞台上的重要人物。许多著名歌唱家之所以蜚声遐迩，均与演唱他的作品分不开的。唐尼采蒂一生写有65部歌剧，体裁广泛，风格多样，有抒情浪漫歌剧、喜歌剧、法国“大歌剧”类型的历史歌剧等，代表作还有《爱的甘醇》、《唐•帕斯夸莱》等。

唐尼采弟之后的一位歌剧巨匠就是被我们称为

威尔弟——意大利歌剧金字塔

威尔第曾说：如果我不按心灵的启示写作的话，我就不可能成功！
居塞比•威尔第（Giuseppe Fortunino F.Verdi,1813-1901）,意大利伟大的歌剧作曲家。生于布塞托附近的小村庄。父亲为食品、杂货商。他的音乐生涯以在布塞托村教堂弹奏管风琴，同时担任布塞托爱乐协会助理指挥开始。威尔第使意大利歌剧放射了新的光芒，他是一个个性显著的人物，是应该被提供给新的一代视为模范的人物之一。
曾投考米兰音乐院，未被录取，后随拉维尼亚学习音乐。1842年，因歌剧《那布科》的成功，一跃而成意大利第一流作曲家。当时意大利正处于摆脱奥地利统治的革命浪潮之中，他以自己的歌剧作品《伦巴底人》、《厄尔南尼》、《阿尔济拉》、《列尼亚诺战役》等以及革命歌曲等鼓舞人民起来斗争，有"意大利革命的音乐大师"之称。
他的初期作品是以民族的色彩写成的。在意大利风味的热情的旋律之外，他后来又加上了从巴黎学来的国际口音，他的成功也随着扩大起来。五十年代是他创作的高峰时期，写了《弄臣》、《游吟诗人》、《茶花女》、《假面舞会》等七部歌剧，奠定了歌剧大师的地位。《弄臣》（Rigoletto,1851）、《游吟诗人》（Trovatore，1853）和《茶花女》（La Traviata，1853）至今仍是世界各地歌剧院经常上演的作品。他的歌剧里包含着极其美丽的东西，如《茶花女》中的薇奥列塔这个人物和她的死，又如《弄臣》中的四重唱等。
威尔第的伟大，在于他晚年接受了瓦格纳的影响，虽然不是模仿他，但却提高了他自己的歌剧理想。结果他写出了《阿依达》（Aida）（应埃及总督之请，为苏伊士运河通航典礼于1870年创作的四幕七场歌剧《阿依达》），这是一部纯粹的意大利式的作品。后来他又根据莎士比亚的剧本创作了《奥瑟罗》（Othello），不太丰富，不太漂亮，但仍充满了诗意的笔法。而《法尔斯塔夫》则是现代喜歌剧中的一部模范作品。
威尔第的伟大不仅在于他一生创作了16部伟大的旷世巨作，丰富着近2百年的歌剧舞台，同时因为他的一部作品，激励了后世的一位被称为“为歌剧而生的”歌剧巨作家――普契尼。

为歌剧而生的作曲家――普契尼

普契尼1858 年 12 月 22 日出生于意大利路卡，家族从高曾祖父起连续好几代都产生过音乐家，而父亲则是当地教堂风琴师。普契尼小时候并没有显露出特殊的音乐天份，反而一天到晚四处游荡恶作剧，尽管当时普契尼自己并没想到要学音乐，但母亲仍然让他依循家族传统将他送到她先夫学生安杰罗尼门下接受音乐教育。
1876 年普契尼步行13哩到比萨观赏威尔第歌剧《阿依达》，这出歌剧对他造成极大震撼，使他决定成为一个歌剧作曲家。为了达到这一个目的，普契尼决心要到米兰攻读音乐，他也更努力到处兼差演奏以赚取学费。母亲为了协助儿子完成心愿，因此也积极协助寻求学费赞助者，最后幸运地获得玛格丽特女王提供一年奖学金，普契尼因此于 1880 年 10 月进入米兰雷尔音乐院就读。
从1893年普契尼的第三部歌剧普契尼《曼侬•列斯考》在杜林初演成功，一扫之前两部歌剧失败的阴影，其实歌剧创作的信心大增。1896 年 《波西米亚人》、1900 年在罗马首演《托斯卡》，1904年米兰史卡拉剧院首演《蝴蝶夫人》无一例外的成为了歌剧舞台上的不朽之作。
普契尼从未到过东方，但在他却有着浓重东方情节，因此在《蝴蝶夫人》、《图兰朵》两部他个人非常重要的剧目中，分别将故事背景设置在日本与中国。可以说普契尼是西方音乐家最早的涉及东方故事人物的。同时他也是一个女性题材与女性角色的最佳诠释者。

历史跨入了19世纪，歌剧界出现了一位影响最大，同时也是争议最大的作曲家，他在理论和实践两方面，他对于歌剧都有巨大的贡献，他就是有着非凡成就的歌剧戏剧大师――瓦格纳。

他依靠引进新的乐器和增加演奏人数来扩大乐队伴奏的规模，用和声表达感情上，取得了革命性的进展。他带给歌剧比先前更长的时间和更强烈的感情，他戒绝了传统歌剧大多数的定式（如咏叹调、合唱曲和芭蕾）。他渴望“综合艺术”，希望创作初一种把诗、音乐、戏剧和舞台目设计完美结合一起的综合立体的艺术品。他甚至在拜罗伊特建立剧院，用来上演自己的作品。在这位大人物创作的杰作，俗称《指环》的四联剧《尼伯龙根的指环》堪称具有革命性成就的杰作。

而一位名叫马斯卡尼的意大利作曲家，因为一部成功的作品《乡村骑士》而开创了意大利真实主义歌剧新篇章。在这部作品中拥有着脍炙人口，更是被世间称为最美丽的间奏曲。

到了19世纪末，20世纪初，歌剧进入了我们所说的近代，而另一种音乐戏剧样式开始萌芽并蓬勃发展起来，它与歌剧走出了并行不悖同时相对独立的道路，这就是音乐剧
可以说中国观众真正接触到百老汇的主流音乐剧，是从上海开始。上海大剧院在2002年引进了第一部音乐剧《悲惨世界》，连演21场，开启了音乐剧在上海的历程，接着2003年至2006年，每年都引进一部剧目， 分别是《猫》，《音乐之声》，《剧院魅影》，《狮子王》，其中后两部连演了100场，反响持久而热烈。在2007年，我们引进了音乐剧《妈妈咪呀！》。

说到音乐剧，可能我们脑海想得都是前面提到的现代大型音乐剧，但其实音乐剧已经发展了100多年，是一步步走到今天的。刚才介绍的歌剧中，其中里面有表现情节严谨，结构完整，内容相对严肃的正剧，还有表现比较轻松，幽默，甚至有些搞笑喜歌剧和轻歌剧，这类歌剧比较通俗易懂。通常贵族偏向正歌剧，而普通百姓则倾向欣赏喜歌剧。另一类我们还不能简单称为喜歌剧，其实只是一种歌舞表演，其中融合了时事秀，综艺秀，杂耍秀，滑稽秀等。
当轻松的戏剧形式与歌舞杂耍相结合的时候，于是，一种比较浅显易懂的新的艺术样式产生了，这就是音乐剧的雏形。但一开始音乐剧还不称为musical, 懂音乐的知道musical词性上说是形容词，为什么后来成为名词代表音乐剧了呢。因为一开始音乐剧的类型比较纷杂，人们习惯根据根据不同内容来称呼早期的音乐剧，比如有音乐喜剧（musical comedy）,音乐闹剧（musical farce）, 音乐浪漫剧（musical romance），到了20世纪40年代，觉得这一类戏剧样式有共性，即富有时代感，是现代的艺术样式，于是将后缀去掉，变成了名词musical,统称为音乐剧。
说起音乐剧，我们就会想到一个词，叫百老汇。下面看一段百老汇的短片。

百老汇是纽约的一条大道，横贯南北，是最早开埠时期建造的，后来慢慢在这条道路周围形成了许多街区，在街区里分布了大大小小70余家剧院，因此百老汇渐渐成为音乐戏剧的代名词。许多人因为百老汇的英文是BROADWAY, 意为宽阔的大街，便以为剧院全在百老汇大道上，这是错误的，他指得是一个大的区域。其实这个词还是上海人先叫起来的，不信可以用上海话说说百老汇，其发音与英文是极其相似的。

历史上，认为真正意义上的音乐剧，诞生于1927年，叫做《老人河》。为什么叫第一部音乐剧呢，因为这部作品不同与以往许多依靠色情表演，或者嬉笑怒骂做的剧目，而是有比较完整的戏剧结构和情节，内容也比较深刻，被认为是音乐剧历史中上“档次”的象征，也抬高了音乐剧的份量。这首歌想必许多人都熟悉，这个男低音也很有名，叫做保罗•罗宾逊，他是世界著名的男低音，也是第一位演唱中华人民共和国国歌的外国人。

到了30年代，美国经济大萧条，戏剧也萎靡不振。直到40年代，才迎来了音乐剧真正大发展的时期，历史上40-60年代诞生了大量的音乐剧，从而奠定了百老汇作为世界音乐剧中心的地方，所以我们将这个时期称为音乐剧的黄金时代。

黄金时代有许多代表人物，比如有R&H组合，那个时候音乐剧的创作主要来源于作曲和作词两个人，于是会常用名字的缩写来代表不同的组合，就像我们现在的年轻人都喜欢的组合SHE的取名方式一样。在众多组合当中，R&H组合是最有名的。他们的创作不仅数量多，名气大，而且时间长，他们的创作几乎跨越了整个黄金时代。

比如他们创作的KING ANG I和SOUTH PACIFIC，其中king and I 就是《国王与我》，有部电影叫《安娜与国王》，就是根据这部音乐剧内容改编而成的。

还有音乐剧《奥克拉荷马》，这是他们的早期作品，讲述了发生在美国乡村的故事，一开始，小伙子就唱起了歌颂美好一天的歌曲，成为描写大自然风景和抒发心情的经典之作。请欣赏有上海音乐学院青年演员柴明珺带来的这首《噢，多么美丽的早晨》（oh, what a beautiful morning!）

这里要说说舞蹈，舞蹈在音乐剧诞生之日起就扮演很重要的角色，但早期的音乐剧中舞蹈主要是装饰性的，比如大腿舞等等，并不参与戏剧的讲述中，但随着音乐剧发展，舞蹈不甘于作陪衬，而开始积极地融入戏剧之中，开始讲述故事。其中最有代表性的就是《西区故事》。在《西区故事》里你会发现，仅仅看舞蹈，已经可以看懂这部剧目，也就是说舞蹈起到了讲述剧情，表现人物性格的戏剧作用，这在早期是很少的。为《西区故事》编舞的是杰若姆•罗宾斯，不仅是音乐剧的编舞大师，也是现代美国芭蕾的奠基人之一。！

黄金时代是以一部脍炙人口的剧目为标志结束的，这就是R&H创作的最后一部《音乐之声》，创作结束后，罗杰斯就去世了，一个时代也濒临结束。事实上《音乐之声》代表了用传统方式写作音乐剧的结束。因为一个新的时代到来了，这就是音乐剧语言的大变革，其实也是音乐语言的变革，随着电力的发展，摇滚乐开始兴起了。

音乐剧创作变革的几大因素：
1． 传统音乐的没落 ―― 随着电力电器的革新，以前靠传统乐队演奏的音乐受到电乐器的巨大影响。
2． 流行音乐的融入 ―― 流行音乐仰仗科技的发展，带来发声方式和创作方式的变革，流行音乐作为新的音乐语言开始崛起。
3． 舞台表现方式的进步 ―― 以往舞台缺少科技含量，而如今科技给舞台效果带去了生机。
4． 戏剧内容的变化 ―― 老的戏剧内容开始显得陈旧，而像吸毒，摇滚，性自由等许多现代内容开始逐渐搬上舞台。
5． 观众群的变化 ―― 许多人尤其是年轻人，开始冷落传统音乐，而迷恋以摇滚乐代表的新潮流音乐。

这些隐私大大影响了音乐剧，于是，一部完全由摇滚乐创作的剧目《长发》诞生了，他开启了流行音乐表现音乐剧的新时代。
虽然摇滚乐是在美国兴起，但音乐剧之树，却在英国结出了硕果。其实在整个20世纪，英国音乐剧也在发展，但由于受到战争，经济发展等问题，英国的音乐剧在60年代初已远远落后美国了。然而一场悄悄的音乐剧革命正在酝酿。
所谓时势造英雄，于是一个名叫韦伯的音乐人出现后，却成为了英雄造时势。韦伯出生在英国的一个音乐世家，年轻时偏爱摇滚乐创作。他创作了许多拥有巨大影响的剧目，开启了音乐剧的大制作时代。
同之前我们提到过的词曲组合一样，韦伯也有一个搭档蒂姆•莱斯（Tim Rice），他们两初期合作了许多脍炙人口的作品。他们的剧目不仅在伦敦，百老汇演出，更走向了世界。    

音乐剧观众群体的全球化，大制作音乐剧盛行的背景下，有一个角色凸现而出，那就是制作人。其中的代表人物就是这位卡麦隆•麦金托什，他被称为音乐剧沙皇，这个称谓由来有二，一是目前世界上影响最大的四部剧目《悲惨世界》、《剧院魅影》、《猫》、《西贡小姐》，亦被称为音乐剧四大名剧的制作都出自他手。另一方面是他的作风非常专断，颇有沙皇作风。
人们要问制作人的到底是做些什么事情的呢？其实制作人就是整合资源的工作，他需要有敏锐的艺术嗅觉和商业嗅觉，还需要良好的人脉关系和煽动力。当然艺术鉴赏力是第一位的，因为如果剧目创作不好，再好的商业模式也没有用。因为制作人的工作性质，所以决定了这样的人是又让人爱，又让人恨。
之前提到的个人也好，组合也好，公司也好，都是专门从事音乐剧制作的。但当音乐剧这个行当影响越来越大，利润也越来越丰厚时，许多其他门类的娱乐公司也开始蠢蠢欲动，加入进来到这个商业味十足的领域中。尤其在这十几年中，诞生了一些音乐剧的新帝国。比如迪斯尼公司，这是所有人都熟悉的动画公司，他们借助雄厚的资源和影响力，也开始投入音乐剧领域，这些年创作了诸如《狮子王》《美女与野兽》《泰山》《阿依达》等音乐剧，均获得了很大的影响。
80年代之前除英美国家外，其它国家还没有真正介入到音乐剧这一样式。然而这些年，法国，德国，日本等非英美国家也纷纷开始加入到音乐剧领域之中。涌现了如《巴黎圣母院》、《罗密欧与朱丽叶》、《小王子》、《十诫》、《伊丽莎白》、《鲁贝卡》等一大批经典的音乐剧，同时这些剧目也走出了完全不同于英美的风格，获得了各个观众群体的喜爱。应该说，音乐剧目前已经趋于多元化，民族化发展格局。

我们中国音乐剧的起步较晚，但其实早在80年代就曾有过几部音乐剧，比如《芳草心》、《秧歌浪漫曲》等，其中还有过流行仪式的歌曲，像打击非常熟息的《小草》。
由于音乐剧与经济是紧密相连的，所以音乐剧在中国以前的发展不成气候，但这些年来，随着国外剧目的不断引进，音乐剧也越来越被大家接受。也有许多原创剧目被制作出来，比如如《电影之歌》、《金沙》、《我为歌狂》、《蝶》等等，这些作品虽然取得了一定的反响，但由于艺术质量，包括市场环境，运营水准的诸多问题，可以说目前中国还没有一部能够长年演出，具有较高艺术性、较大市场价值和良性商业回报的真正原创剧目。